Exposiciones imprescindibles para 2018

(Este artículo apareció originariamente en The Fine Art Collective. Autoría: Angélica Millán)

Podríamos quejarnos de la calidad de las exposiciones que nos deparará 2018, pero no podemos hacerlo aún a estas tempranas alturas del año.

Para realizar este tipo de afirmaciones categóricas tendríamos que atenernos a dos variantes: Una, que a estas alturas todavía los grandes museos de nuestro país no han anunciado sus Big Shows del año que viene en sus agendas (y si no, acuérdense de la exposición más esperada de este 2017 en el Museo del Prado ,“ El Espíritu de la pintura” de Cai Quo Quiang, que se supo antes en los corrillos del arte que en los medios oficiales y de la que tuvimos constancia ya bien entrado el año) y dos, que si entre las muestras venideras hay una de Maruja Mallo en uno de los buques insignia del la milla del arte de Madrid como lo es el Thyssen, tendremos que poner punto en boca.

- MARUJA MALLO. MUSEO THYSSEN

(Título y fecha por determinar. Previsiblemente en junio de 2018)

Esperemos que sin la coletilla “mujer artista” en el título y por la puerta grande, el Museo Thyssen dedicará una monográfica en los meses venideros a la artista Maruja Mallo (1902-1995), que vendrá a completar el año dedicado a la pintora surrealista gallega.

Esta pintora que rompió moldes en todos los sentidos, se movió entre el surrealismo pictórico y la abstracción y utilizó el escándalo como vehículo de rebeldía y el arte como instrumento para mejorar la sociedad, además de moverse en los círculos intelectuales de la tan laureada y masculina Generación del 27.

A falta de más detalles sobre las obras que colgarán en los muros de la pinacoteca, sólo se pueden añadir las ganas de ver lienzos tan representativos de su carrera como “La sorpresa del trigo” o “La verbena”, perteneciente a los cuatro óleos que constituyen la serie dedicada a las fiestas madrileñas, conjunto del que forma parte, pertenecientes ambos al Museo Reina Sofía.

“La verbena”. Maruja Mallo. Museo Nacional Reina Sofía.

Lo único que nos chirría es que en su agenda de exposiciones ya aparece la de Monet/Boudín programada para junio del año que viene y no de la Mallo, que aunque de forma no oficial, el museo lo cuenta ya en sus redes sociales.

- “NATURALEZA DIGITAL”, JENNIFER STEINKAMP. FUNDACIÓN TELEFÓNICA.

23 de febrero/ 22 de abril 2018.

Sin lugar a dudas otra de las exposiciones que más interés nos suscita, por el recorrido de la artista como pionera de lo digital, por su inclusión de la naturaleza como parte de un arte unido a lo tecnológico en el que ambos se retroalimentan, formando espacios arquitectónicos irreales.

¿Naturaleza digital? o ¿Tecnología viva? Sea como fuese, la exposición ‘Naturaleza digital’ presenta cinco vídeo instalaciones en los que parte de elementos del mundo vegetal y a través del uso de herramientas de modelado 3D, la artista genera imágenes de árboles, tallos y flores y crea composiciones que proyecta sobre los espacios diluyendo la arquitectura y animando sus muros. Sin lugar a dudas otra de las exposiciones que más interés nos suscita, por el recorrido de la artista como pionera de lo digital, por su inclusión de la naturaleza como parte de un arte unido a lo tecnolológico en el que ambos se retroalimentan, formando espacios arquitectónicos irreales.

La instalación ‘Madame Curie’ (2011) se inspira en la célebre científica que recibió dos Premios Nobel por sus investigaciones pioneras en el campo de la radioactividad. Marie Curie fue además una apasionada de las plantas. A través de la renderización de más de cuarenta especies botánicas y de grandes proyecciones sincronizadas, esta obra de Steinkamp homenajea a una de las grandes figuras de la historia de la ciencia al mismo tiempo que nos hace reflexionar sobre los efectos que las explosiones y la energía atómica tienen sobre la naturaleza.

‘Dervish’, ‘Judy Crook’ (2012-2017), ‘Garlands’ y ‘Bouquet’ (ambas de 2012), son el resto de instalaciones que componen la muestran y que siguen esa estela que intenta diluir las fronteras que separan el arte, la tecnología y la naturaleza.

- Zuloaga en el París de la Belle Époque. 1889 – 1914. Fundación Mapfre (Madrid).

Hasta el 7 de Enero de 2018

Casi no llegamos a tiempo, pero enero del nuevo año queda reservado a Zuloaga. Otras exposiciones de la Fundación Mapfre vendrán con sorpresa en 2018, pero el pintor vasco se merece una visita, sobre todo para alejarnos del concepto oscuro y tradicionalista con el que se asocia su pintura.

Retrato de la condesa Mathieu de Noailles, 1913. Museo de Bellas Artes de Bilbao Inv. 82/50 © Ignacio Zuloaga, VEGAP, Madrid, 2017 .Foto: © Bilboko Arte Ederren Museoa-Museo de Bellas Artes de Bilbao

La exposición Zuloaga en el París de la Belle Époque nos reconcilia con su pintura más innovadora y bella, y con el toque bohemio que le aporto su estancia en la ciudad de la luz, donde tuvo la suerte de coincidir con el arte de artistas como Gauguin.

-EUSEBIO SEMPERE. MUSEO REINA SOFÍA 9 de mayo/27 de septiembnre de 2018.

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere, una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX, y clave en la maestría del arte cinético (Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión óptica de movimiento).

La muestra reúne alrededor de 170 obras: acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, además de un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980.

En 1955 había tenido lugar la exposición Le mouvement en la galería Denise René, considerada el origen del arte óptico y cinético, que coincide con la exposición previa de sus trabajos en las galerías de la capital francesa que antecedieron a este tipo de arte.

La exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con la obra de Vassili Kandinsky y Paul Klee, que dan paso a una amplia representación de los gouaches realizados en París, obras geométricas de expresividad contenida en el trazo y una especial sensibilidad por la luz y el espacio; junto con una selección de los relieves luminosos en los que empezó a trabajar en 1955.

Para leer el artículo completo ve al siguiente link:

http://thefineart.es/blog/post/las-exposiciones-que-vienen-en-2018

10 obras maestras para enamorarse del arte

(Artículo aparecido por primera vez en The Fine Art Collective. Autoría: Angélica Millán)


Como en cualquier historia de amor, uno no puedo enamorarse de alguien a quien le impongan, por mucho que le insistan en una lista llena de cualidades estupendas que el otro considera interesantes. A veces ni siquiera el ilustrativo ejemplo del “rubio guapo y fuerte” nos atrae, y con el arte ocurre lo mismo. 

El descubrimiento del amor al arte, como el resto de querencias, debe provenir desde dentro, de lo que se siente al enfrentarse a una obra, lo mismo que a un amante. ¿Cuántas veces nos hemos encontrando amando la belleza de alguien que solo a nosotros nos parece atractivo y no encajaba en los cánones ideales?

“Judit decapitando a Holofernes”. Artemisa Gentileschi.

Decía María Acaso,en un artículo muy acertado y de actualidad sobre la educación a través de la publicidad y la historia del arte en el sistema educativo, que “La educación artística debe consistir en aprender a disfrutar de lo complejo, lo raro, lo lento y lo feo, y en preguntarnos por qué razón intentan que solo disfrutemos de lo simple, lo estándar y lo rápido, y de un tipo de belleza canónica imposible”.

Esto da buena cuenta de que nos ocurre cuando nos enfrentamos al arte contemporáneo y no somos capaces de apreciarlo, porque queremos disfrutar y entenderlo todo con la fugacidad y facilidad a la que estos tiempos de sobre-exposición en redes y sobre-comunicación se nos impone.

No existen 10 obras maestras para entender el arte, mucho menos para amarlo. No existe un decálogo que abra la mente del que no quiere mirar para apreciar una obra y no debería ni si quiera existir la voluntad de convencer al espectador de lo contrario.

Lo duro de los que educan en arte, de los expertos que se apasionan ante cualquier pintura de Tiziano, de Artemisa Gentileschi o de Miguel Ángel, es el hecho de aceptar que todos no amamos de la misma manera, que no todos apreciamos los mismos tipos de belleza y que en ocasiones algunos no tienen ni esa capacidad amatoria.

Lo difícil es admitir que tal vez a éstos no le tiemble la voz al enfrentarse a las alas desplegadas de la Victoria de Samotracia, como tampoco son capaces de amar a aquel que a nosotros nos resulta irresistible.

“Victoria alada de Samotracia”. Museo del Louvre.

Después de esto se nos caería la cara de vergüenza intentando convencerte de que te emociones con la instalación “The key in the hand” de ChiharuShiota en la Bienal de Venecia de 2015, donde tal vez nosotros lloramos al vernos enmarañados entre hilos de color encarnado y llaves que no abren ninguna puerta, de barcas que no nos acercan a ningún puerto.

“The key in the hand”. ChiharuShiota.

Seríamos cómplices de intentar contagiarte un amor que es sólo el nuestro si te habláramos de como nos eriza la piel HilmaAfKlin, que en el siglo XIX llegó a pintar más de 1200 cuadros de formato mastodóntico y que lo hizo en secreto. Que se adelantó en muchas décadas a la abstracción, antes que genios como Kandinsky fueran considerados como tal por este tipo de creaciones. No podemos pedirte de que te enamores de cómo dejó estipulado en su testamento que sus obras no se revelasen hasta 30 años después de su muerte porque consideraba que el mundo no estaba preparado para ello.

Instalación de Hilma Af Klint.

Sería un locura que “La virgen muerta” de Caravaggio" –cuyo realismo proviene de que la modelo fuera el cuerpo muerto de una prostituta ahogada en el rio Tiber- pudiera estremecerte como a nosotros. Ese claroscuro que logra que el rostro de la virgen ilumine todo el espacio no tiene porque impresionarte.

Nadie puede convencerte de amar algo que tú no quieras, no entiendas o no sea de tu gusto, incluso con argumentos sólidos, pero recuerda aquellas historias que cuentan sobre amores surgidos de la más absoluta indiferencia y que acabaron siendo el amor de la vida de alguien.

Angélica Millán

¿Que dicen las Redes Sociales sobre Arco 2017?

(Este artículo apareció originariamente en The Fine Art Collective. Autoría: Angélica Millán)

Una gran Salsola Kali imaginaria (o planta rodadora del desierto) recorre la ausencia de polémicas en torno al arte y las ferias de Arte Contemporáneo. Es definitivo, ARCO ha quedado desierto de controversias este año.

Atrás quedan los vasos medio llenos (o medio vacíos, según se mire) de Wilfredo Prieto, que indignaban a la opinión público por su valor en el mercado de 200.000 euros o la nevera de refrescos que contenía a un Franco caricaturizado (y congelado) por Eugenio Merino en 2012 y que levantaba ampollas entre los espectadores.

Incluso el artista que este año presentaba en la Galería ADN su obra 'Pasaporte de rescate' -en la que decenas de pasaportes sirios, turcos, libios y jordanos aparecen envueltos en el papel dorado de las mantas térmicas con las que se cubren a los inmigrantes- declaraba en sus redes sociales que el propio Directo de la feria Carlos Urroz, apostillaba que ”El coleccionista busca en Arco al artista emergente y sexy”. Más política y menos polémica en este año en donde la pulcritud y el saber estar fueron las reinas de la feria madre.

Pero, ¿De qué se habla cuando no hay ruido, jarana, carnaza, con la que despedazar las ferias de Arte Contemporáneo?, ¿Acaso ARCO es menos ARCO sin un fantoche sobre el que volcar nuestras frustraciones?

Pero la vida sigue y aun huérfanos de estas polémicas que endulzan las jornadas maratonianas de ferias en la capital, el usuario ha dejado constancia con sus selfies en las Redes Sociales, su paso por ARCO. Mientras los críticos y periódicos de tirada nacional se ocupan de cifras, de connotaciones políticas, de análisis de mercado, los usuarios ponen su mejor cara y disparan la instantánea que los atrape junto a las obras de arte, casi relegadas a un segundo plano.

Lejos de querer hacer un examen antropo-científico de esta tendencia en alza, esto es lo que dicen las redes sociales de los usuarios sobre la Feria ARCO:

- Lo más fotografiado:

Uno de los flases más buscados de esta edición ha sido el latex desinflado de “Self portrait as a child” de Clemens Krauss, de la Galería Crone. Cierta indignación y sorpresa han sido las culpables de que esta obra acapare los time lime de Instagram y los hashtag más seguidos de la feria.

  

- Arte cinético y todo lo que se mueve

Esa corriente iniciada en los años 50 del siglo pasada para designar a aquellas obras fundadas en la introducción del movimiento como elemento plástico dominante, parece seguir funcionando.

A pesar de que surgió en un contexto relacionado con los avances tecnológicos de esta etapa y que ahora quedarían obsoletos, el público sigue recibiéndolos como móviles infantiles que hipnotizan a los niños.

Para leer el artículo completo haz click en el link:

http://www.thefineart.es/blog/post/lo-que-las-redes-sociales-dicen-sobre-arco-2017

seguidos de la feria.

MI EXPERIENCIA INTRANSIT: El paradigma del "Debería"

Se sigue pensando que la actividad creativa y el Arte no  son prioritarios. A veces pienso que hemos perdido el rumbo. La crítica y la reflexión activa en la sociedad y el mundo en el que vivimos son tan necesarios como el aire que respiramos. Eso es lo que encontré en Intransit y eso es precisamente lo que lo hace diferente, destacable.

C arte C (Centro de Arte de la Universidad Complutense).
Espacio que acogió Intransit y la exposición de proyectos ganadores. 

Una invitación para asistir a Intransit cae en mis manos, pero antes de decidirme rastreo un poco. Un laboratorio. Eso siempre suena bien...Es el lugar donde se cuecen las fórmulas para ser más tarde implantadas en el mundo real, escogiéndose las mejores entre las más excelsas ideas. Intransit es eso, una plataforma experimental. Según la mismísima RAE: “Experimental=que sirve de experimento”. 

Para ser sinceros lo que allí pude observar respondía más bien a como deberían ser las cosas en la práctica que a un ensayo,  a como debería implantarse en la realidad los modelos profesionales en los circuitos de creación y difusión del arte y la cultura contemporáneas. Pasar un día en Instransit supone acercarse al paradigma de ese “debería”, del cómo tendrían que ser las cosas. Así pues, me uní al equipo y disfrute de la experiencia Intransit durante una jornada.

      Todo estaba más que preparado. Los artistas reunidos, los proyectos sobre la mesa y esperando  para transmitirle sus experiencias una galerista idílica, una crítica y batallante de las buenas prácticas en la gestión cultural y un especialista en el mercado del arte.

     Todos los agentes estaban estructurados como una red que abrazaba y necesitaba del otro. Se vuelve a demostrar así que el artista no debe ser un ente aislado y que necesita de la complicidad y la colaboración de los diferentes agentes del sector de las artes para encajar. La pieza que forma parte del todo

     Me resulto fácil adivinar el compromiso social de los artistas y proyectos ganadores con la realidad del país. Emigración, desahucios o pasados históricos no resueltos campaban a sus anchas en  ese espacio de puesta en común y confrontación pública de discursos artísticos y sociales.

Detalle de algunos de los proyectos seleccionados.

      CRISTINA MEJÍAS bien sabe de ese compromiso y de esas nuevas oleadas de emigración de nuestro país, que serán estudiados en el futuro en los libros como movimientos migratorios de jóvenes sobradamente preparados.

     Su experiencia en Berlin como “expatriada” le da alas, nunca mejor dicho, para contar la historia de miles de jóvenes a través de los picos de un puñado de emigrados al país germánico, usando como analogía a las especies animales que recorren el planeta buscando unas mejores condiciones de vida.

       Pero Lejos de caer en tópicos, su proyecto “Herzlich willkommen” (Bienvenidos de corazón) cuenta las diferentes historias recreando un universo personal que nos muestra que la emigración es algo más que un cambio de lugar. No recae en penurias, ni en clichés establecidos, pues cada historia es particular, desde aquel que busca nuevas experiencias y horizontes, hasta el que busca una mejora laboral.

Visión general del proyecto de Cristina Mejías.

      Sus retratos, cuyos personajes portan unas elaboradas mascaras animales son buena prueba de ello. Cada retratado parece estar representado por un totem, por un animal diferente que se solapa y se funde con ellos mismos a través de estos escuetos disfraces, que les dotan del  misterio y la fantasía que le confieren los colores y plumajes de estos antifaces.

      Acompañándolos,  unos pasaportes muy peculiares y una de esas cámaras souvenirs con forma de televisión tan de moda en los 80, pero en ellos no verás la puerta de Brandeburgo. Estas cámaras intervenidas muestran los retazos de la vida de estas “aves migratorias”, en una visión personal sobre su experiencia en esa ciudad, sus lugares habituales, su particular y diario (llamémoslo con ironía) turisteo, en una ciudad que no es la de siempre.

Cámaras souvenirs intervenidas con fotos de los protagonistas.

      La artista añade además “VideoConvivencia”, su antiguo trabajo y lo inserta en el presentado en Intransit. Un proyecto dentro de otro proyecto.

 

     
     Un Pc y unos cascos. Me viene a la memoria: -“¿Hacemos un Skype?”-. Si has estado en la piel de uno de estos inmigrantes sabrás de que hablo. Se convierte así la tecnología en un soporte, en una extensión de la vida, en una ventana abierta a la antigua cotidianidad en un intento de integrarla y no dejarla atrás. 

     Pero sin duda lo más interesante fue encontrarme yo misma retratada en ese mundo de tres dimensiones, diferentes en el espacio pero paralelas en el tiempo, que se creaba al mirar a la pantalla. Queda  así el público atrapado en ella, convirtiéndose por un momento en parte de la vida de la artista, como un espectador pasivo. Logra de esta manera convertirnos en cómplices, como lo somos todos cuando vemos marchar a la población de este país, como si el abandono de un solo ave migratorio no fuera ya en si una gran pérdida.

Su anterior proyecto "VideoConvivencia" y los tres planos virtuales.

      Los proyectos estaban bien arropados y se jalonaban cada día con diferentes sesiones y actividades. On the road  era esa sección que hablaba de proyectos que han sido capaces de ponerse en marcha, que están  ya en la carretera a punto de despegar. 

      La invitada esta vez era Sabrina Amrani. Siempre he oído decir que los galeristas son una especie a parte. Lo que nunca me aclararon si buena o mala. Sabrina Amrani no es una galerista al uso y quedó plasmado en los aplausos espontáneos que los artistas le prodigaban, cómplices de sus palabras, sintiéndose comprendidos por fin en esa difícil relación entre galerista y artista.

     Su Galería, de nombre homónimo, se desmarca de las demás aunando ADN francés y árabe y teniendo un contacto muy estrecho con sus artistas, trabajando no sólo la relación comercial si no también la personal

     Personificando a la utópica galerista, afirmó que había llegado a rechazar compras por no sentirse a gusto con el destino que las iba a acoger. Habiendo dejado tranquilos a todos los artistas presentes ante la idea de que con ella evitarían el fatal desenlace de acabar en la consulta de un dentista, pasamos a la siguiente sesión.

      De la “carretera” nos transportamos a Activa, momento en que los artistas ganadores presentan sus proyectos. Era el turno de VIVIANA SILBAF con su trabajo “Campos Devanados”. Una habitación oscura que simulaba una atmósfera agobiante le sirvió de salvoconducto para contarnos su historia. Apagadas las luces nuestros oídos se agudizaron,  pudiendo escuchar la grabación de un testimonio, el de un  superviviente de uno de los campos de concentración existentes en la época franquista.

Perspectiva de "Campos devanados" de Viviana Silbaf.

El proyecto de Viviana Silbaf intenta rescatar información en un proceso de investigación que le lleva a estos antiguos campos donde además analiza su estado actual de ruina, a pesar de los intentos de disuadirla de la población circundante, donde la represión y el miedo siguen paseándose por los alrededores como si el pasado fuera presente.

No intenta crear conflicto, ni ahondar en las miserias del pasado, pero se reconoce incapaz aún de analizar y entrevistar la visión del bando contrario, necesario para cerrar el círculo de su proyecto.

Lo destacable en su obra es esa visión estética en la que lo ficticio y lo real se unen, donde el pasado y el presente se encuentran y en donde en la inocencia del bordado convive con la crudeza del reportaje fotográfico.

No os mentía cuando hablaba de que Intransit era una experiencia completa, donde todos los agentes figuraban para que el artista se sintiera soportado y potenciar así su red de trabajo.

Volvió a suceder de esta manera al abrirse Sesiones micro y al aparecer en escena Pilar Gonzálo, la impulsora del exitoso “Foro de Cultura y Buenas prácticas” celebrado este año y Alejandro Alcázar promotor del proyecto Arte y Desarrollo. Se habló de los cambios que deberían darse para que el arte y la cultura funcionasen, se trató de tomar conciencia de la responsabilidad de todos los agentes culturales que participan en este juego y se ahondó en el convencimiento de que la posible solución para el sector se encontraba sin duda entre todos los asistentes al agora de Intransit.

Pilar Gonzálo y Alejandro Alcázar en "Sesiones Micro"

  Entre descanso y descanso llamó mi atención una retahíla de miradas que parecían buscarme desde uno de los muros. Funcionó y me aproximé. Eran retratos de hombres y mujeres que parecían mirar con complicidad a la otra parte que se encontraba detrás de los focos, apretando el botón del flash.

Ningún de estas miradas era igual, descubriendo al acercarme que este proyecto de MARTA PUJADES trata de reflejar precisamente eso, las diferentes formas de complicidad y los diferentes tipos de relaciones amorosas entre las parejas fotografiadas. Cada una de las partes de esa unión será el retratado y el retratista, prescindiendo del fotógrafo, que esta vez  sólo se ocupará de las cuestiones técnicas. Esa especial química que hubiere (o no) entre ellas, queda patente en el proyecto Love at sight.

Observando su trabajo vienen a mi cabeza las palabras del escritor peruano Santiago Roncagliolo: “Solo hay tres temas universales, el amor, la muerte y el futbol”.

La artista decididamente apuesta por uno, uno de los que más nos traen de cabeza y quitan el sueño, pero quiere asegurarse de que esta vez su análisis sea fidedigno y trata de reducirlo a parámetros cuantificables que no puedan ser rebatidos, lo somete a ciencia. Echa mano del no poco curioso Test de Hendrick y Hendrik sobre el amor, en que según los resultados obtenidos se clasificarán las personas según su forma de amar. (Eros, Ludus, Sortge, Pragma, Manía y Ágape). (*Test de Hendrick y Hendrick, 1986 (Escalas de actitudes hacia el amor))

Los observo e intento discernir quien es Eros, quien es Ludus, quien vive el amor romántico o el de tintes maniacos y lo más inquietante ¿Estarán emparejados correctamente? ¿Se cumple el cada oveja con su pareja?

Detalle de dos de las parejas participantes en el proyecto "Love at sight"

Con esta pregunta resonando en mi cabeza me concentro en el fondo negro de las fotos y su carácter ovalado, antojándoseme como uno de esos camafeos del pasado que escondían la foto del amado en cuestión y que contrastan con las actitudes y estética de los retratados, personajes ya de otra era, de la actualidad, felices o infelices, amados o desencantados, pero en el que el amor sigue siendo un tema universal, un misterio

¿Podría negarme alguien ahora que asistir a Intransit no es vivir una auténtica EXPERIENCIA?

Toda la información sobre Intransit, los 20 artistas y proyectos ganadores en:

http://www.intransit.es/

UN BALANCE DEL FESTIVAL MIRADAS DE MUJERES:La visión como Directora de María Sánchez García

       

         A pesar de que algunas exposiciones del Festival Miradas de Mujeres siguen en activo durante el mes de abril, podemos ponerle punto y final al programa de este año 2014 que se ha cerrado con más de medio millón de visitantes a las exposiciones y actividades propuestas por la organización

            El festival ha cosechado  buenas críticas y cifras halagüeñas: Más de 1000 Artistas, 308 Sedes, 15 Comunidades Autónomas y 347 Actividades Culturales, pero como en la famosa canción del pop español, ahora toca  hacer balance de lo bueno y malo.

María Sánchez García, Directora regional del Festival en Castilla la Mancha, sabe mucho de que se habla, no sólo como directora si no también como artista. ¿Quién pues mejor que ella para hablarnos de las entrañas del festival? Calibraremos con ella aciertos, apuntaremos mejoras y escudriñaremos posibles errores a tener en cuenta para futuras ediciones, porque como decía Cicerón “De hombres es equivocarse;de locos persistir en el error”.

            Allá va entonces su personal visión de cómo le ha ido este año al mayor festival de género que se celebra en nuestro país por tercer año consecutivo.

- El festival arrancaba este año con más de 300 sedes repartidas por toda España y con la presencia de más de 1000 artistas representadas, ¿Se puede hablar entonces de que el festival ha sido un éxito o por el contrario piensas que no son las cifras las que deben tener en cuenta a la hora de evaluar?  

El hecho de haber conseguido muchas más sedes que en ediciones anteriores y la participación de más artistas supone un éxito añadido para el festival que este año ha presentado una abundante programación con grandes propuestas. Pero efectivamente no todo se mide en cifras sino que me gustaría pensar que la calidad, el arte y el género, están por encima de cualquier presentación de números.

En este caso el Festival Miradas de Mujeres se ha superado respecto a años anteriores en todos los ámbitos, por lo que no cabe duda de su honra.

- ¿Cuál sería entonces para ti el mayor logro a conseguir en términos no cuantificables?

Para mí el mayor objetivo sería crear una mínima conciencia social que ayudase a todos a visualizar el papel de la mujer en el mundo del Arte y su capacidad profesional en el sector. Poner en conocimiento la desigualdad existente y reivindicar firmemente el reconocimiento al papel de la mujer como artista, comisaria, crítica, historiadora, gestora, productora, museógrafa, etc.

- Un festival que abarca al completo el territorio nacional debe ser difícil de gestionar ¿Cuál es vuestro "modus operandi"? ¿Crees que son necesarias mejoras en esa gestión para que el festival siga creciendo y actualizándose?

Este año el festival ha presentado una estructura diferente que creo que enriquece mucho su formato estableciendo una red de mujeres profesionales que pueden abarcar mejor todo el territorio. FMM actúa con una Directora General que coordina y supervisa todo el festival, junto a las Directoras Regionales que se ocupan de cada comunidad autónoma participantes.  

En todas las organizaciones hay lugar para las mejoras y un desarrollo favorable. Desde el FMM y MAV como organizadora del proyecto, se está recogiendo un feedback de todo lo acontecido durante la edición de cara a poder mejorar en el futuro más cercano.

Equipo del Festival Miradas de Mujeres
en la presentación de Arco

- ¿Que mejoras o novedades están tramándose  para la siguiente edición del Festival Miradas de Mujeres?

La experiencia de la edición de este año creo que puede suponer el haber puesto en valor y reconocimiento a este tejido organizador y gestor formado por un amplio equipo de mujeres profesionales del mundo del Arte.

 Estoy segura de que todas y cada una de nosotras nos hemos encontrado en algún momento con un punto que pueda ser mejorado en el próximo festival así como alguna idea nueva que podría desarrollarse después de la experiencia vivida. Por lo que no dudo en que existan mejoras y novedades en vistas a la siguiente edición pero no me atrevería a desvelar ninguna con tanta antelación.

- Algunas voces se alzan para criticar la existencia de un festival de género, del que dicen, perjudica a las mujeres. Para ti, ¿Sigue siendo necesario un festival de estas características?

Lamentablemente si nuestra sociedad necesita seguir celebrando y reivindicando el día de la mujer trabajadora, también necesita un festival que represente a la mujer dentro del Arte. Quiero pensar que en algún momento podamos superar este paso habiendo asumido una igualdad de género y suprimir la práctica de estas celebraciones pero sinceramente aún queda mucho trabajo por hacer hasta que el mundo entero consiga entender que todos los géneros tienen la misma valía y merecen el mismo reconocimiento.

- ¿Qué crees que diferencia y aportan  las sedes y las artistas de Castilla-La Mancha con respecto a otras comunidades?

            Como Directora de Castilla-La Mancha quiero ensalzar la valentía y disposición que han manifestado cada una de las cuatro sedes al sumarse a esta iniciativa. Castilla-La Mancha necesita apostar por el arte contemporáneo, llevar a su población proyectos actuales y trabajar con las profesionales de la región que en la mayoría de los casos se ven obligadas a hacerlo en otras partes de la geografía.

Así que si algo podría diferenciar a CLM es la dificultad de encontrar apoyos y sedes, pero cada día somos más los que procuramos acercar cualquier tipo de manifestación artística contemporánea a la zona y me alegro de haber formado parte de ello.

"Abundancia" de la artista Rokhshad Nourdeh.
Exposición de la Galeria Aleph de Ciudad para FMM

- El respaldo de las Instituciones a un festival de estas características debe ser importante. ¿Cómo has vivido esa ausencia de apoyo en CLM? ¿Existen mejores expectativas para el año próximo?

Por supuesto que existen mejores expectativas, quiero pensar siempre en positivo. Este año lamentablemente no hemos conseguido ningún apoyo institucional pero contactamos con todos ellos para invitarles y hacerles formar parte del proyecto.

Seguiremos intentando buscar comunicación directa con la Junta de Castilla-La Mancha, Cultura, los respectivos Ayuntamientos e instituciones culturales que ya han sido todos invitados para sumarse al festival para el año próximo. Esperamos que alguno de ellos se anime y conseguir así una respuesta afirmativa que sirva como precedente para el resto.

- ¿Como afrontas la dirección del festival desde Castilla la Mancha para el año que viene? ¿Qué mejoras introducirías  y que puntos fuertes te gustaría que permaneciesen?

Me gustaría trabajar más el tejido cultural de la región e intentar tener representación de los centros culturales referentes así como de la Facultad de Bellas Artes y Escuelas de Arte de Castilla-La Mancha que son la cuna de los jóvenes artistas de nuestra comunidad.

¿Mejoras previstas? ¡Todas las posibles, por supuesto! Pero lo primero conseguir apoyos y lograr que el festival tenga más presencia en instituciones con más sedes.

Respecto al punto fuerte he de reconocer que lo mejor ha sido conseguir un equipo de mujeres profesionales del sector del arte, cultura y comunicación con quienes he trabajado codo con codo y que ha hecho posible todas las actividades, siendo todas y cada una de ellas parte indispensable del proyecto. Gracias una vez más a Naiara Fernández-Villacañas, Angélica Millán y Mun-Jung Chan Park.

- Uno de los objetivos principales por los que se creó un festival de estas características era conseguir la visibilidad de las mujeres en las artes visuales, incluyendo a otras profesionales como comisarías o Directoras. ¿Crees que se ha cumplido el objetivo de dar visibilidad a las mujeres artistas o que en ocasiones la visibilidad ha sido mayor para otras profesionales que participaban en el festival?

Creo que el festival ha logrado su objetivo de reconocer la labor de la mujer artista aunque como bien insinúa la pregunta en algunas ocasiones ha podido haber más difusión de las profesionales que lo hemos gestionado. Personalmente he de decir que la parte más interesante ha sido poder conocer y trabajar de cerca con la mayoría de las artistas que han participado en Castilla-La Mancha y que sin duda seguirán teniendo todo mi apoyo.

- ¿Una exposición y una artista que recomendarías dentro del festival?

¿Una? Dentro de un festival con una oferta tan amplia me resulta difícil decantarme por una sola y reconozco que ha habido apuestas muy interesantes en todas las comunidades tanto con artistas de primera fila como con otras menos conocidas que han demostrado con creces su profesionalidad. Me quedo con el espíritu general del proyecto ensalzando la labor de todas las artistas y reivindicando de nuevo su reconocimiento y valía.

Quisiera aprovechar para dar las gracias a Angélica Millán por esta entrevista, así como devolver también mi gratitud a todas las personas que me han apoyado como Directora de Castilla-La Mancha y al equipo de colaboradoras. Sin la ayuda de todos vosotros esto no hubiera sido lo mismo. 

María Sánchez García @PimientaSnchz

Directora de MIRADAS DE MUJERES en Castilla la Mancha.

Artista visual y conceptual, Licenciada en Bellas Artes Ucm DE Madrid, Especialidad Crítica, Curatorial, Cibermedia en Haute École d’Art et Design Ginebra, Máster Mercado de Arte y Gestión de Empresas Relacionadas y actual Doctoranda en el Departamento de Socialogía de la Comunicación Fac. Bellas Artes UCM Madrid

Para más información del Festival:

http://festivalmiradasdemujeres.es/

También puedes descargar su catálogo online con todas las exposiciones y eventos organizados:
http://issuu.com/acdosactividadcontemporanea/docs/iii_festival_miradas_mujeres?e=0/6803374

O echar un vistazo al docu que Metrópolis de la 2tv realizó, como en años anteriores, sobre FMM

http://www.rtve.es/alacarta/videos/metropolis/metropolis-miradas-mujer-2014/2492267/


FMM cierra por vacaciones hasta el año que viene. ¿Empezamos ya la cuenta atrás?