Mesa Redonda "Blogs y nuevas tecnologías en la difusión del Arte"

Parece ser que desde principios de este casi recién estrenado siglo, aquellos  diarios personales que estaban surgiendo en la red y que conectaban a los usuarios con inquietudes similares comenzaron a tomar fuerza hasta convertirse en un auténtico fenómeno: El Blogging. Desde entonces la palabra Blogger no se nos ha ido de la boca. De la boca y de los oídos, siendo sobre todo escuchada hasta la saciedad en aquellos programas de tendencias extra cool, para hablarnos de la It girl del momento.

¿Pero qué pasa con los bloggers de Arte? Pues sí, también existimos y aunque no deseamos salir en un programa de corazón presentado por Anne Igartiburu, pretendemos armar ruido. Mucho ruido.

Como siempre y por amor al Arte, nosotros no podemos dejar de repensarlo, de vivirlo, de experimentarlo, de transmitirlo. Cada cual tendrá sus razones para comenzar un blog, pero la labor de difusión que se ha venido desarrollando años atrás de la mano de influyentes bloggers y que ha cristalizado en una  divulgación del Arte hacia sectores ajenos a los tradicionales, no deja indiferente a nadie.

 Su labor como difusores y pensadores en las nuevas tendencias artísticas y el Arte Contemporáneo lo hacen una figura nueva que empieza a ser imprescindible. Tanto es así que Ferias de Arte, Museos e instituciones comienzan a contar con bloggers  para actos y proyectos colaborativos como  ARCO Bloggers y LABORAL u organizando visitas a museos pensadas específicamente para bloggers (Thyssen, CAC Málaga…), ecétera.

Visita guiada para Bloggers de Arte invitados. Fundación Mapfre (Exposición Cartier Bresson)

De esa necesidad de difusión a través de una crítica fresca y no condicionada del Arte y de las sinergias que vienen creándose entre artistas, ferias de arte e instituciones y en la que  los bloggers actúan como nexo de unión con el público, nace esta iniciativa.

La II Convocatoria de Blogs Culturales surge como germen del I Conversatorio de Blogs y nuevas tecnologías aplicadas a la Gestión Cultural", organizado por el  CCECR (Centro Cultural de España en Costa Rica), centro gestionado por la AECID (Agencia Española para la Coperación Internacional y el Desarrollo) y que tuvo lugar el pasado mes de mayo, centrándose en la figura del blogger cultural.

Ahora es el turno para el Arte y por ello tendrá lugar esta segunda Mesa Redonda sobre “Blogs y nuevas tecnologías para la difusión del Arte” que tendrán lugar en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Santander el próximo domingo 27 de julio, enmarcándose dentro de la celebración de la Feria ArteSantander y con la participación presencial de reputados bloggers españoles y a través de streaming de nuestros bloggers costarricenses.

El Arte será el gran protagonista en Santander entre los días 26 y 30 de julio, 

donde se darán cita la Feria ArteSantander, la Mesa Redonda "Blogs y nuevas tecnologías en la difusión del Arte" 

y el Curso de "Comisariado y Coleccionismo" de la UIMP

Pero ¿Qué hace especial a este evento? La conjunción de esta visión global del Arte Contemporáneo  a ambos lados del Atlántico, el conocimiento de las tendencias y agentes que participan en el sector  con las  peculiaridades culturales y artísticas de cada país y el hecho de que sea contado a través de este grupo multicultural de bloggers con todas sus experiencia en torno a la gestión de un blog de arte.

Si tejer redes entre los agentes implicados en el sector del Arte viene siendo uno de los objetivos de esta mesa redonda, los artistas se configuran como nuestra materia prima, siendo sus obras carne de nuestros posts. Para mostrar las relaciones profesionales que se establecen entre ambos mundos uno de los ponentes debía ser un artista, siendo  nuestro invitado en este caso Marcos Tamargo, actuando como el hilo que conduce a tejer esta madeja del mundo del Arte.

Todo eso es lo que lo hace desmarcarse, convirtiéndose en un evento que apuntar en nuestra agenda estival para aquellos interesados en el tema en el último domingo de este mes de julio.

Si me apuráis, el marco incomparable en el que se desarrolla, tomando como escenario la capital cántabra y el contexto que lo envuelve  en torno a la Feria de ArteSantander lo hacen no solo atractivo, sino reseñable por esas relaciones que empiezan a surgir entre ferias y bloggers, aportándose valor mutuo y favoreciendo la visibilización del sector.

Creo que son razones de sobra para asistir en vivo a la Mesa Redonda “Blogs y nuevas tecnologías en la difusión del Arte” en el Palacio de Exposiciones y Congresos de la ciudad, pero que también tiene un hueco para aquellos rezagados que todavía encuentren excusas para no asistir. Podrás seguirlo por streaming (link próximamente) y participar en el debate-coloquio a través de Twitter con el hashtag #blogsxarte.

* El elenco de nuestros bloggers:

ESPAÑA

- Sara Bono Perucho

http://gestionandolaculturacritica.wordpress.com/    

- Miriam Callejo

http://maircase.wordpress.com/

- Angélica Millán Escribano

http://lamusadelarte.blogspot.com.es/

- Semiramis González Fernández

http://semiramisenbabilonia.blogspot.com.es/

- Lata Muda

http://latamuda.wordpress.com/

- El Artista Marcos Tamargo

http://www.marcostamargo.com/

COSTA RICA

- Dinorah Carballo

http://suaveuntoque.wordpress.com/

- Luis Fernando Quiros

http://www.experimenta.es/blog/blogger/63

- Susan Campos Fonseca

http://www.susancamposfonseca.com/

- Rosa Marzo:

 Cordinadora de la Mesa Redonda en Costa Rica desde el CCECR

#BLOGSXARTE

INFORMACIÓN ÚTIL

- Palacio de Congresos y Exposiciones de Santander

- 27 de julio a las 17:30 horas

- Colaboran/Participan: Feria ArteSantander y CCECR de AECID

- Producción: Hector Diaz y Bezoar Studios

- Feria ArteSantander

http://artesantander.com/

- Centro Cultural Español en Costa Rica

http://www.ccecr.org/

MI EXPERIENCIA INTRANSIT: El paradigma del "Debería"

Se sigue pensando que la actividad creativa y el Arte no  son prioritarios. A veces pienso que hemos perdido el rumbo. La crítica y la reflexión activa en la sociedad y el mundo en el que vivimos son tan necesarios como el aire que respiramos. Eso es lo que encontré en Intransit y eso es precisamente lo que lo hace diferente, destacable.

C arte C (Centro de Arte de la Universidad Complutense).
Espacio que acogió Intransit y la exposición de proyectos ganadores. 

Una invitación para asistir a Intransit cae en mis manos, pero antes de decidirme rastreo un poco. Un laboratorio. Eso siempre suena bien...Es el lugar donde se cuecen las fórmulas para ser más tarde implantadas en el mundo real, escogiéndose las mejores entre las más excelsas ideas. Intransit es eso, una plataforma experimental. Según la mismísima RAE: “Experimental=que sirve de experimento”. 

Para ser sinceros lo que allí pude observar respondía más bien a como deberían ser las cosas en la práctica que a un ensayo,  a como debería implantarse en la realidad los modelos profesionales en los circuitos de creación y difusión del arte y la cultura contemporáneas. Pasar un día en Instransit supone acercarse al paradigma de ese “debería”, del cómo tendrían que ser las cosas. Así pues, me uní al equipo y disfrute de la experiencia Intransit durante una jornada.

      Todo estaba más que preparado. Los artistas reunidos, los proyectos sobre la mesa y esperando  para transmitirle sus experiencias una galerista idílica, una crítica y batallante de las buenas prácticas en la gestión cultural y un especialista en el mercado del arte.

     Todos los agentes estaban estructurados como una red que abrazaba y necesitaba del otro. Se vuelve a demostrar así que el artista no debe ser un ente aislado y que necesita de la complicidad y la colaboración de los diferentes agentes del sector de las artes para encajar. La pieza que forma parte del todo

     Me resulto fácil adivinar el compromiso social de los artistas y proyectos ganadores con la realidad del país. Emigración, desahucios o pasados históricos no resueltos campaban a sus anchas en  ese espacio de puesta en común y confrontación pública de discursos artísticos y sociales.

Detalle de algunos de los proyectos seleccionados.

      CRISTINA MEJÍAS bien sabe de ese compromiso y de esas nuevas oleadas de emigración de nuestro país, que serán estudiados en el futuro en los libros como movimientos migratorios de jóvenes sobradamente preparados.

     Su experiencia en Berlin como “expatriada” le da alas, nunca mejor dicho, para contar la historia de miles de jóvenes a través de los picos de un puñado de emigrados al país germánico, usando como analogía a las especies animales que recorren el planeta buscando unas mejores condiciones de vida.

       Pero Lejos de caer en tópicos, su proyecto “Herzlich willkommen” (Bienvenidos de corazón) cuenta las diferentes historias recreando un universo personal que nos muestra que la emigración es algo más que un cambio de lugar. No recae en penurias, ni en clichés establecidos, pues cada historia es particular, desde aquel que busca nuevas experiencias y horizontes, hasta el que busca una mejora laboral.

Visión general del proyecto de Cristina Mejías.

      Sus retratos, cuyos personajes portan unas elaboradas mascaras animales son buena prueba de ello. Cada retratado parece estar representado por un totem, por un animal diferente que se solapa y se funde con ellos mismos a través de estos escuetos disfraces, que les dotan del  misterio y la fantasía que le confieren los colores y plumajes de estos antifaces.

      Acompañándolos,  unos pasaportes muy peculiares y una de esas cámaras souvenirs con forma de televisión tan de moda en los 80, pero en ellos no verás la puerta de Brandeburgo. Estas cámaras intervenidas muestran los retazos de la vida de estas “aves migratorias”, en una visión personal sobre su experiencia en esa ciudad, sus lugares habituales, su particular y diario (llamémoslo con ironía) turisteo, en una ciudad que no es la de siempre.

Cámaras souvenirs intervenidas con fotos de los protagonistas.

      La artista añade además “VideoConvivencia”, su antiguo trabajo y lo inserta en el presentado en Intransit. Un proyecto dentro de otro proyecto.

 

     
     Un Pc y unos cascos. Me viene a la memoria: -“¿Hacemos un Skype?”-. Si has estado en la piel de uno de estos inmigrantes sabrás de que hablo. Se convierte así la tecnología en un soporte, en una extensión de la vida, en una ventana abierta a la antigua cotidianidad en un intento de integrarla y no dejarla atrás. 

     Pero sin duda lo más interesante fue encontrarme yo misma retratada en ese mundo de tres dimensiones, diferentes en el espacio pero paralelas en el tiempo, que se creaba al mirar a la pantalla. Queda  así el público atrapado en ella, convirtiéndose por un momento en parte de la vida de la artista, como un espectador pasivo. Logra de esta manera convertirnos en cómplices, como lo somos todos cuando vemos marchar a la población de este país, como si el abandono de un solo ave migratorio no fuera ya en si una gran pérdida.

Su anterior proyecto "VideoConvivencia" y los tres planos virtuales.

      Los proyectos estaban bien arropados y se jalonaban cada día con diferentes sesiones y actividades. On the road  era esa sección que hablaba de proyectos que han sido capaces de ponerse en marcha, que están  ya en la carretera a punto de despegar. 

      La invitada esta vez era Sabrina Amrani. Siempre he oído decir que los galeristas son una especie a parte. Lo que nunca me aclararon si buena o mala. Sabrina Amrani no es una galerista al uso y quedó plasmado en los aplausos espontáneos que los artistas le prodigaban, cómplices de sus palabras, sintiéndose comprendidos por fin en esa difícil relación entre galerista y artista.

     Su Galería, de nombre homónimo, se desmarca de las demás aunando ADN francés y árabe y teniendo un contacto muy estrecho con sus artistas, trabajando no sólo la relación comercial si no también la personal

     Personificando a la utópica galerista, afirmó que había llegado a rechazar compras por no sentirse a gusto con el destino que las iba a acoger. Habiendo dejado tranquilos a todos los artistas presentes ante la idea de que con ella evitarían el fatal desenlace de acabar en la consulta de un dentista, pasamos a la siguiente sesión.

      De la “carretera” nos transportamos a Activa, momento en que los artistas ganadores presentan sus proyectos. Era el turno de VIVIANA SILBAF con su trabajo “Campos Devanados”. Una habitación oscura que simulaba una atmósfera agobiante le sirvió de salvoconducto para contarnos su historia. Apagadas las luces nuestros oídos se agudizaron,  pudiendo escuchar la grabación de un testimonio, el de un  superviviente de uno de los campos de concentración existentes en la época franquista.

Perspectiva de "Campos devanados" de Viviana Silbaf.

El proyecto de Viviana Silbaf intenta rescatar información en un proceso de investigación que le lleva a estos antiguos campos donde además analiza su estado actual de ruina, a pesar de los intentos de disuadirla de la población circundante, donde la represión y el miedo siguen paseándose por los alrededores como si el pasado fuera presente.

No intenta crear conflicto, ni ahondar en las miserias del pasado, pero se reconoce incapaz aún de analizar y entrevistar la visión del bando contrario, necesario para cerrar el círculo de su proyecto.

Lo destacable en su obra es esa visión estética en la que lo ficticio y lo real se unen, donde el pasado y el presente se encuentran y en donde en la inocencia del bordado convive con la crudeza del reportaje fotográfico.

No os mentía cuando hablaba de que Intransit era una experiencia completa, donde todos los agentes figuraban para que el artista se sintiera soportado y potenciar así su red de trabajo.

Volvió a suceder de esta manera al abrirse Sesiones micro y al aparecer en escena Pilar Gonzálo, la impulsora del exitoso “Foro de Cultura y Buenas prácticas” celebrado este año y Alejandro Alcázar promotor del proyecto Arte y Desarrollo. Se habló de los cambios que deberían darse para que el arte y la cultura funcionasen, se trató de tomar conciencia de la responsabilidad de todos los agentes culturales que participan en este juego y se ahondó en el convencimiento de que la posible solución para el sector se encontraba sin duda entre todos los asistentes al agora de Intransit.

Pilar Gonzálo y Alejandro Alcázar en "Sesiones Micro"

  Entre descanso y descanso llamó mi atención una retahíla de miradas que parecían buscarme desde uno de los muros. Funcionó y me aproximé. Eran retratos de hombres y mujeres que parecían mirar con complicidad a la otra parte que se encontraba detrás de los focos, apretando el botón del flash.

Ningún de estas miradas era igual, descubriendo al acercarme que este proyecto de MARTA PUJADES trata de reflejar precisamente eso, las diferentes formas de complicidad y los diferentes tipos de relaciones amorosas entre las parejas fotografiadas. Cada una de las partes de esa unión será el retratado y el retratista, prescindiendo del fotógrafo, que esta vez  sólo se ocupará de las cuestiones técnicas. Esa especial química que hubiere (o no) entre ellas, queda patente en el proyecto Love at sight.

Observando su trabajo vienen a mi cabeza las palabras del escritor peruano Santiago Roncagliolo: “Solo hay tres temas universales, el amor, la muerte y el futbol”.

La artista decididamente apuesta por uno, uno de los que más nos traen de cabeza y quitan el sueño, pero quiere asegurarse de que esta vez su análisis sea fidedigno y trata de reducirlo a parámetros cuantificables que no puedan ser rebatidos, lo somete a ciencia. Echa mano del no poco curioso Test de Hendrick y Hendrik sobre el amor, en que según los resultados obtenidos se clasificarán las personas según su forma de amar. (Eros, Ludus, Sortge, Pragma, Manía y Ágape). (*Test de Hendrick y Hendrick, 1986 (Escalas de actitudes hacia el amor))

Los observo e intento discernir quien es Eros, quien es Ludus, quien vive el amor romántico o el de tintes maniacos y lo más inquietante ¿Estarán emparejados correctamente? ¿Se cumple el cada oveja con su pareja?

Detalle de dos de las parejas participantes en el proyecto "Love at sight"

Con esta pregunta resonando en mi cabeza me concentro en el fondo negro de las fotos y su carácter ovalado, antojándoseme como uno de esos camafeos del pasado que escondían la foto del amado en cuestión y que contrastan con las actitudes y estética de los retratados, personajes ya de otra era, de la actualidad, felices o infelices, amados o desencantados, pero en el que el amor sigue siendo un tema universal, un misterio

¿Podría negarme alguien ahora que asistir a Intransit no es vivir una auténtica EXPERIENCIA?

Toda la información sobre Intransit, los 20 artistas y proyectos ganadores en:

http://www.intransit.es/

#MUSEOSPRO: Donde habitan los Museólog@s

A tan solo una semana de haber celebrado el Día Internacional de los Museos surge la necesidad de hablar de esos ratoncillos de laboratorio que hacen posible esa fecha en concreto y también el funcionamiento de los Museos el resto de días del año.

Museólogos, conservadores, curadores, llamadlos como queráis, pero lo que si está claro es que ha llegado el momento de poner la profesión en el punto de mira.  Para ello llega la iniciativa con nombre de tecnología culta último modelo: #MuseosPro, que esta siendo organizado por Laura Cano Coca y Almudena López Molina

Pasar de los Gabinetes de Curiosidades (aquel revoltijo de tesoros acumulados sin orden establecido), tan de moda siglos atrás, a la idea de museo que hoy conocemos no ha sido casual. Mucho menos lo ha sido la revolución que ha traspasado la frontera física de los mismos y llevado el Museo hasta los usuarios gracias al uso de rrss y tecnología. No es fortuito, ni aleatorio. Detrás de estos cambios se encuentran grandes profesionales, que son a su vez grandes desconocidos: LOS MUSEÓLOGOS 

Si eres un profesional de los Museos sabrás reconocerte en situaciones como las que se dan cuando alguien pregunta por tu profesión. - Soy Museólogo- dices, a sabiendas que la otra parte asiente con la cabeza sin saber de que hablas y rezando para que no se note (Aunque he de reconocer que la expresión más ilustrativa se produce cuando comentas que eres "Comisaria de Arte", ahí si que ya te imaginan cazando ladrones de guante blanco y recuperando cuadros de valor incalculable. Y te partes). No se les puede culpar, por que tal vez seamos nosotros los últimos responsables de poner en valor y visibilizar a los profesionales de los museos y para solucionarlo surgió precisamente este proyecto.

Pero vamos al grano. #MuseosPro es un evento nacido para desarrollarse íntegramente online, con la idea de crear un espacio donde debatir sobre los temas que conciernen a los trabajadores de museos: museólogos, museógrafos, estudiantes, profesores, empresas, instituciones…y a todos los profesionales de este ámbito que deseen aportar su visión sobre la realidad del sector y que se celebrará durante los cuatro jueves del mes de junio en que se propondrán diferentes temas de debate: #Perfiles, #formación, #contratación y #dentro y fuera. (Tienes más información en http://www.museospro.com/)

Los objetivos que se persiguen serán, entre otros, lograr una mayor visibilidad de la profesión, , analizar el sector, definir perfiles y construir redes profesionales que hagan visibles las vías de acceso al mundo laboral.  

Poner en conocimiento la labor que desempeñan estos profesionales como entes desarrolladores de la cultura  sería otro de las metas, que ya a título personal, deberían perseguirse. Esperemos que #MuseosPro acelere ese proceso de reconocimiento de este profesional, cuyo trabajo redunda en el beneficio de la sociedad.

             Creo que son suficientes motivos para que no pierdas de vista esta iniciativa  que dará comienzo el próximo 5 de junio y en el que podrás participar a través de Twitter con el hashtag #Perfiles. Las conclusiones y reflexiones de estos debates abiertos podrás encontrarlos en los diferentes blogs dedicados a Arte y Cultura (como este) durante todo el mes de junio. 

             Participa y dale un empujón a esta profesión. Luego no digas que no te lo avisamos.

El alma de los Museos. Profesionales del Museo Escultura participando en #Museumdanceoff, iniciativa del ICCROM para visibilizar Instituciones Culturales y a los profesionales que trabajan en ellas.

http://whenyouworkatamuseum.com/post/85261027567/are-you-ready-because-museumdanceoff-is-happening


*Nota: #MuseosPro persigue con esta iniciativa alcanzar con su debate y reflexión a museólogos, museógrafos, estudiantes, profesores, empresas, instituciones, comunicadores y un largo etc, que engloba a todo tipo de profesionales de los Museos. Cuando se nombra en algún momento en este post alguna profesión en particular no nos estamos refiriendo a que la convocatoria vaya dirigida en exclusiva a ese perfil profesional, por ello en otros momentos apuntamos también a que nos referimos a "Profesionales de los Museos". Todos ellos tienen cabida en esta convocatoria.
Para cualquier aclaración sobre el tema puedes dirigirte a:

http://www.museospro.com/

Las Musas de Aire, tierra y fuego de MARCOS TAMARGO

Si fuese una entrevista para un famoso magazine de moda, comenzaría diciendo que esperé  el encuentro con Marcos Tamargo sentada en la butaca de un bohemio café de Madrid y que él llegó tarde. Diría que vino con el humo de un cigarro a medias y su omnipresente gorra y que le sorprendí llamándole desde el interior al verle pasar por la ventana. Añadiría además que al sentarse cruzo sus piernas y me pidió disculpas por las pequeñas gotas de pintura que llevaba adheridas al pantalón, propias de los gajes del oficio del artista

Diría esto si fuera una entrevista para la Vogue. Pero no lo es, como tampoco podría empezar disparando preguntas como si se tratase de una entrevista al uso. 

       Tal vez suene atípico y hasta pretencioso, pero lo que tenía voluntad de ser una entrevista acabo convirtiéndose en una enriquecedora conversación entre dos personas, ambos amantes del arte, eso sí. Creador y observadora curiosa, donde las respuestas fluían más libremente, permitiendo crear una atmosfera  más propia para hablar del arte con alma y que me ayudó a conocer mejor el porqué de su obra, y esa relación lienzo-artista, que es en si el objetivo de este post.

Marcos Tamargo es bien conocido por sus famosos retratos de los galardonados en los Premios Príncipe de Asturias (entre otras tantas cosas), pero fueron cuadros como “Hierro y Carbón” los que llamaron mi atención en Art Madrid.

A este artista asturiano, afincado en Nueva York y con miras a instalarse en Kenia,  le interesa saber que piensa el espectador de su obra. “Mis lienzos son obras inacabadas, por eso me gusta que el público primero observe mis cuadros, saque sus propias conclusiones y más tarde poder añadirles información con lo que yo quise expresar, ayudarles a terminar el cuadro”, me explica, mientras cita a la vez a Sorolla  (“Yo pinto los cuadros y los demás me los explican”)

Fue precisamente esa actitud de cercanía con el público la que  me permitió conocerle  en Art Madrid, donde resultó uno de los grandes triunfadores de la feria y que llevó a interesarme en profundidad por su trabajo.

Tras una apasionante charla inicial sobre vida y arte, conseguimos centrarnos finalmente y empezar así la ya más típica tanda de preguntas y respuestas:

-   Gracias a tu presencia en Art Madrid Feria pudimos contemplar obras pertenecientes a tu serie dedicada a la exposición “Aerial Views”. Es ahí donde plasmas las experiencias personales de tus viajes y en donde incorporas materiales orgánicos del sitio al que llegas y del sitio desde el que partes, trasladando al espectador texturas y sensaciones. ¿Intentas con ello que el público pueda recrear esos paisajes como algo casi vivo a través de tu pintura?

              Lo que en realidad me interesa al plasmar la materia es borrar la idea de que la pintura tiene que ser plana y darle bidimensionalidad a la obra. Además utilizo estos materiales para situarme yo y para que el espectador pueda hacer lo mismo.

Esta materia reflejada en mis obras en muchos casos proviene de Asturias, del origen, desde donde parten la mayoría de mis viajes.

En el caso de “Aerial Views” estos materiales provienen de la casa donde nacieron mis abuelos y bisabuelos, añadiendo a la obra algo único y personal. Creo que el pintor, el creador, busca que su pintura sea totalmente particular y es una manera de decirle al espectador que eso es lo que nos diferencia y nos hace exclusivos.

-   El hecho de que incorpores en tus obras estos materiales orgánicos de los lugares a donde te diriges  y de los que partes al mismo tiempo, ¿Intentan reflejar una lucha de identidades entre el apego a tu tierra y el anhelo de conocer nuevos mundos? ¿Sientes la necesidad de plasmar esa dualidad?

No es precisamente una lucha, pero si que suele ocurrirme que cuando me encuentro en Asturias quiero estar en Nueva York y si estoy en Nueva York me gustaría estar en Asturias.

A veces voy conduciendo y pienso que me encantaría ser omnipresente para poder estar en Kenia, Nueva York y Asturias a la vez, porque no me gusta perderme nada de lo que pasa en ningún sitio, pero si que siento esa sensación de anhelo, de conocer otros lugares, de ser una esponja para absorberlo todo, pues cuanto más viva, cuanto más experimente, más tendré que decir con mi obra y como artista.

-   En una de tus obras “Tiempo de volver”, podemos ver hojas secas que parecen  aludir  a el otoño, a la melancolía o la nostalgia. ¿Sientes “morriña” de tu tierra? ¿De qué manera puede llegar a influir este concepto en tus obras?

             Este carácter errante me hace sentir morriña de todos lados, incluso si hago una escapada de  fin de de semana acabo yéndome con la sensación de que quiero volver. Rara es la vez que visito un lugar y no siento ese deseo de retorno, por lo tanto esa sensación puede estar bastante presente en mi obra

-   El desarrollar tu carrera fuera de España me hace preguntarme si te has sentido en alguna ocasión más valorado en el exterior o te has encontrado con la dificultad que supone ser profeta en tu tierra.

Yo tuve que salir primero para que se me valorara en España y me entristeció en su momento pero tampoco de forma dramática porque  con el tiempo y trabajo  aprendes a saber que poco a poco todo va saliendo bien y que el exterior también te enriquece.

Es difícil ser profeta en el lugar del que procedes, pero en la actualidad tanto en mi tierra como en los sitios que visito o la gente que encuentro me tratan bien, me conocen y es palpable el cariño y respeto que tienen hacia mi obra.

-   Buena parte de tus pinturas se encuentran insertas en la naturaleza, centrándose en los paisajes y en la luz de atardeceres o amaneceres. Por el contrario los paisajes urbanos o la representación de ciudades parecen ser un tema más escaso en tu obra y cuando aparecen lo hacen a lo lejos, como si el espectador fuera un voyeur escondido entre la naturaleza, que observa el horizonte urbano como algo lejano e inalcanzable. ¿Te inspira más la soledad de la naturaleza o por el contrario piensas que la ciudad también puede llegar a ser un buen referente para crear?

           Es exactamente así como lo explicas. Hasta ahora mismo y desde hace como 8 meses que empecé la nueva serie, es la primera vez en que decido bajar el plano y me meto más dentro del lugar, para verlo todo más cercano. Por eso en mis creaciones la parte baja es donde más pesa la obra llevando más materia orgánica, abandonando así el plano aéreo de mis anteriores creaciones que añadían  sensación de lejanía y  que ahora por el contario aportan más conexión con la gente.

En cuanto a mis influencias, el hecho de vivir en el Norte de España, después en el Norte de Inglaterra o el de Estados Unidos, ha provocado que se conviertan en fuente de inspiración para mí.

Se trata de  zonas muy industrializadas, con gran presencia  de puertos y que han tenido que ver mucho en mi obra. De hecho hace unos años realice una serie donde se plasmaban los tres lugares donde había vivido, estableciendo semejanzas y similitud entre los puertos de estas ciudades. Aunque parezca increíble Nueva York es muy parecido a Asturias una vez que sales de Manhattan, con montañas verdes cubiertas de nieve como las de mi tierra. 

-   Algunas de tus obras están basadas en la música, como  tu serie de litografías inspiradas en 4 óperas de Puccini. Incluso he encontrado un guiño a la literatura universal, como es la aparición del Quijote en algunos de tus cuadros. El blog para el que escribo se llama la Musa del Arte. ¿Cuáles son tus musas? ¿Qué es en lo que te inspiras o que te inspira a la hora de crear?

             La verdad es que la musa entendida como mujer, como modelo, es algo que se me escapa, que nunca he experimentado. En alguna ocasión dije “La pintura es la única fémina que no me ha sido infiel” y fue publicado. Parece ser entonces que mi musa es la misma pintura, en la que siempre puedo refugiarme.

Es curioso, porque en Nueva York hice retratos a muchísimas personas,  a gente de todo tipo; jóvenes, mayores, niños...pero lo tacho de curioso porque justo el tiempo en que tuve pareja y por tanto en el que podría haber encontrado a mi musa, fue el único periodo en que no pinté y no lo hice durante cerca de dos años. La musa con mayúsculas no la encontré, aunque supongo que debería haber sido al revés…

            Dejando a un lado la musa entendida como modelo o encarnada en la figura femenina, esa inspiración que buscamos los creadores la encuentro categóricamente en todo. Todo me influye. Creo que hay que absorber el máximo de cada lugar en el que estemos, absorber la belleza, aunque no sea la establecida, porque ésta se encuentra en todo y en todos.

Si he de decir, que cuando encuentro un paisaje o una vista por la cúal puedo sentirme inspirado, la veo a través de la gente que hay en ese lugar. A través de los ojos de las personas que conoces en cada lugar, puedes ver y cambiar la forma de ver el paisaje  

-   Tus “Cuadros temporales” en donde utilizas la técnica de la luz negra evolucionada y que denominas “Move Art”, permiten que un mismo lienzo contengan dos obras de arte a la vez. ¿Tratas con ello de experimentar técnicas alrededor de tu trabajo o por el contrario te preocupa o interesa mostrar que todo tiene un trasfondo o una cara oculta?

             Pienso que los pintores y creadores estamos obligados a investigar y que el arte debe avanzar y estar en continuo movimiento y eso es precisamente lo que trato de hacer al investigar la luz negra.

Goya o Velázquez hablaban de que “Parecía haber un movimiento real de la pintura” y es ese  movimiento real el que estoy investigando para lograr por primera vez que se mueva una imagen pictórica dentro de un cuadro, buscando el movimiento continuo de la imagen.

No busco por lo tanto mostrar una dualidad de trasfondos y dobles verdades con la luz negra, si no investigar sobre una técnica, aunque he de decir que todos mis cuadros llevan debajo escritos que nunca se verán, así que supongo que en el fondo si que hay cosas ocultas en mi pintura.

-   Viajarás en breve a Kenia o¿Cuáles son tus objetivos allí? ¿Qué esperas encontrar?

África es para mí una espinita que tengo clavada desde que era niño, cuando mi tía prometió llevarme a un Safari. Es un destino que se me ha ido resistiendo con el tiempo hasta que por fin me he decido a dar el salto.

Mi pintura está cargada de marrones, ocres, negros y rojos y espero añadir nuevos colores a mi paleta y encontrar nuevos temas e inspiración, pero sobre todo espero que pueda ser un punto de inflexión en mi carrera.

- ¿Manías o supersticiones a la hora de crear?

Como pintor tengo muchas. Una de las más curiosas es que no puedo trabajar llevando ropa limpia, tengo que hacerlo con ropa ya usada, llena de color y pintura, si no, soy incapaz de  crear.



Así concluyó la entrevista a Marcos Tamargo, formalmente hablando, pero no mi curiosidad por saber más sobre un artista en proceso de reinvención continuo y al que no hay que perderle la pista....

Tierra.
60 cm x 90 cm.
Técnica mixta sobre lienzo

Aerial Views

Lago en llamas
120cm X 150cm
Técnica mixta sobre tabla

Más información

www.marcostamargo.com